Używamy informacji zapisanych za pomocą plików cookies m.in. w celach: reklamowych, statystycznych i w celu dostosowania naszej strony do indywidualnych potrzeb użytkowników. Korzystając z niej, wyrażasz zgodę na używanie cookies, zgodnie z aktualnymi ustawieniami przeglądarki. Więcej o naszej polityce cookies.
Tegoroczne Przemiany to wielogłosowa, różnorodna platforma dyskusji nad zrównoważonym projektowaniem, innowacjami materiałowymi, rzemiosłem i relacją człowieka ze światem przyrody. Wszystko to znajdzie swoje odbicie na wystawach, przygotowanych przez naszych partnerów (Ars Electronica Futurelab, Jan van Eyck Academie, Wydział Projektowania Uniwersytetu SWPS, Wydział Inżynierii Materiałowej Politechniki Warszawskiej, Instytut Adama Mickiewicza) oraz zaproszonych twórców (CENTRALA, Alicja Bielawska, Nienke Hoogvliet).
Podczas całego festiwalu, w określonych godzinach, będziecie mogli porozmawiać z autorami poszczególnych prac oraz poeksperymentować przy stacjach doświadczalnych.
Planujemy także dwa wydarzenia specjalne: spotkanie z twórcami Future Materials Bank oraz spotkanie z Matthew Gardinerem, połączone z performance muzycznym.
Future Materials Bank
Bank Materiałów Przyszłości to kolekcja ekologicznych, nietoksycznych materiałów, powstających w oparciu o różnorodne praktyki twórcze, czerpiące zarówno z nowych technologii, jak i tradycyjnego rzemiosła. Gromadząc informacje i próbki od twórców z całego świata, archiwum ma na celu inspirowanie badań i rozpowszechnianie wiedzy na temat zrównoważonego rozwoju oraz społecznej i środowiskowej odpowiedzialności za globalny obieg materiałów.
Obecnie kolekcja obejmuje 428 projektów i stale się powiększa. Na Festiwalu Przemiany zobaczycie jej fragment – materiały wykonane z grzybów, alg, gleby, skorupek jaj, soli, korzeni drzew czy ludzkich włosów. Historię i najciekawsze nabytki Banku będzie można poznać na spotkaniu z jego projektantem, Jaapem Knevelem oraz polskimi artystkami z Slow Painting Studio (Olą Ignasiak i Karoliną Gębką), których naturalne farby z czerwonej kapusty znalazły się w kolekcji. Spotkanie odbędzie w sobotę 12 października, o godz. 15.30.
Bank Materiałów Przyszłości jest częścią szerszego programu demokratyzacji wiedzy na temat materiałów przyszłości, realizowanego przez Jan van Eyck Academie – holenderską akademię sztuk pięknych, dizajnu i teorii sztuki. Więcej informacji o programie na stronie archiwum.
Partner Festiwalu: Jan van Eyck Academie
Koordynatorka: Giulia Bellinetti
Kuratorka: Pleun van Dijk
Projektant: Jaap Knevel
Współpracownicy: Yasmine Ostendorf-Rodríguez, Jesse Adler and Dorieke Schreurs, Julie Bildet and Rhett Leinster, Sophie Huckfield
Produkcja materiałów wideo: Ymeja Klopman, Hamid Soleymani, Retebottega
Twórcy: Merle Bergers, Rosie Broadhead, Eline ten Busschen, Maria Roy Deulofeu, Maria Pita Guerreiro, Zena Holloway, Tahiya Hossain, Coline Le Quenven, Human Material Loop, Sinae Kim, Mari Koppanen, Sofía Perales, Lucie Ponard, Aastha Poddar, Carolina Puppe, Estúdio Rain, Sutherlin Santo, Studio Sarmīte, Slow Painting Studio, Basse Stittgen, Studiograma, Lee Sun, The Sustainable Darkroom, Seung Bin Yang
Future Materials Bank powstał we współpracy z: MA Material Futures at UAL Central Saint Martin, Green Art Lab Alliance, Brightlands Chemelot Campus, Chemelot Innovation and Learning Labs
Jaap Willem Knevel - (on/jego) tworzy mapy, przewodniki i archiwa, przeznaczone do użytku edukacyjnego. Polemizuje z tradycyjnymi narracjami w projektowaniu graficznym w kwestiach dostępności, reprezentacji i różnorodności kulturowej.
Wraz z Pleun van Dijk stworzył Future Materials Bank w Jan van Eyck Academie (NL). To bezpłatne internetowe archiwum biomateriałów, które wspiera rozwój świadomych ekologicznie praktyk artystycznych i projektowych. Od 2017 roku poprowadził ponad 250 wykładów i warsztatów dla szkół takich jak Amsterdam University of the Arts (NL), Central Saint Martins UAL (UK) i ITESO (MX). Obecnie jest wykładowcą komunikacji wizualnej w Fontys (NL) i asystentem naukowym w HfG Karlsruhe (DE). Ukończył studia licencjackie w Design Academy Eindhoven (NL) oraz studia magisterskie w Konstfack (SE).
Pleun van Dijk - artystka spekulatywna i projektantka zafascynowana nieustannie ewoluującym światem wokół niej. Rozwój nauki i technologii daje nowe możliwości i stawia nas przed złożonymi pytaniami etycznymi, podczas gdy wyobrażenie sobie przyszłego wpływu wynalazków i związanych z nimi decyzji jest prawie niemożliwe.
Aby przyczynić się do debaty etycznej, Pleun kreuje scenariusze spekulatywne i uruchamia wyobraźnię odbiorców za pomocą wielu zmysłów. Jej prace pokazują możliwe, niemożliwe, utopijne i dystopijne skutki naszych pozornie nieistotnych decyzji. Poprzez badania artystyczne, projekty, wykłady i warsztaty, artystka stara się pokazać nowe perspektywy, które zmuszają do ponownego przemyślenia teraźniejszości.
Pleun jest współzałożycielką i kuratorką Future Materials Bank w Jan van Eyck Academie oraz cyfrową kuratorką Living Library na Karlsruhe University of Arts and Design.
Slow Painting Studio - założone przez Olę Ignasiak i Karolinę Gębkę łączy sztukę, zrównoważony rozwój i innowacje, wprowadzając odbiorców w nową erę kolorów.
Celem jest zmiana globalnego podejścia do sztuki, a przede wszystkim do barw, które można pozyskiwać z odpadów roślin jadalnych i naturalnych składników. Działają zgodnie z zasadami gospodarki cyrkularnej i ideą rewolucji zero-waste. Promują zrównoważone praktyki artystyczne poprzez wystawy i warsztaty. Równolegle do działalności artystycznej, prowadzą także badania naukowe oraz (jako startup) pracują nad prośrodowiskową innowacją dla świata sztuki i przemysłu.
Oribotics
Dr Matthew Gardiner, artysta i główny badacz w Ars Electronica Futurelab w Linzu, zajmuje się origami i robotyką. Ukuł termin Oribot 折りボト, a następnie stworzył Oribotics, czyli dziedzinę badań artystyczno-naukowych, rozwijanych w oparciu o estetyczne, biomechaniczne i morfologiczne powiązania między naturą, origami i robotyką. Jego prace są wynikiem rozważań nad złożonymi formami, ich właściwościami kinetycznymi oraz elektromechanicznymi metodami uruchamiania, wykrywania, interakcji i wyświetlania światła. Na wystawie zobaczycie m.in. instalację robotycznych kwiatów, instrument muzyczny, generujący dźwięk za pomocą choreograficznych ścieżek składania i geometrycznych gestów oraz model rzeźby pt. “Geometria Wszechświata”, stworzonej w ramach autorskich badań Gardinera nad metodami mapowania fałd.
O pionierskich poszukiwaniach i twórczości Matthew Gardinera posłuchacie podczas spotkania z artystą, połączonego z performance muzycznym, w sobotę 12 października o godz. 18.30.
Partner Festiwalu: Ars Electronica Futurelab
Twórca: Matthew Gardiner
Matthew Gardiner - jeden z wiodących światowych ekspertów w dziedzinie Oribotics, którą sam stworzył. Pionier w łączeniu origami, składania i robotyki.
Prace Gardinera przepływają między mediami cyfrowymi i fizycznymi, dryfując w przestrzeni pomiędzy nimi. Czasami eksperymenty prowadzą do digitalizacji zjawisk materialnych, a czasami odwrotnie – do tworzenia materiałów i ich programowania.
Jako kierownik działu strategii badawczych w Ars Electronica Futurelab, koncentruje się na budowaniu biegłości w trans-, multi- i interdyscyplinarnych metodach badawczych. Nie ma nic bardziej satysfakcjonującego niż znalezienie prostego i klarownego pytania, na które odpowiedzi można poszukiwać poprzez eksperymenty i analizy. Nie ma też nic lepszego niż pytanie otwierające zupełnie nową linię badawczą.
Matthew Gardiner jest głównym badaczem w ramach projektu PEEK AR590 Ori*botics, the Art and Science of Origami and Robotics.
W klimacie zmian
Osiedlowy schron klimatyczny, mobilne schronienie dla zwierząt domowych, ostoje dla roślin i owadów, obiekty użytkowe z recyklingu, artystyczne ingerencje w przestrzeni Półwyspu Helskiego, zagrożonego podwyższającym się stanem wody.
Dla młodego pokolenia projektantów widmo nadciągającej katastrofy klimatycznej nie jest abstrakcją, umiejscowioną w nieokreślonej przyszłości. Zmiany klimatu i ich konsekwencje stanowią główny punkt odniesienia, determinujący narrację i codzienne wybory twórcze. Zaprezentowane na Przemianach prace absolwentów Wydziału Projektowania Uniwersytetu SWPS to obiekty naznaczone empatią i refleksją. Mają charakter użytkowy, ale służą także opowiadaniu ważnych historii na temat świata opartego na relacjach. Jak choćby w przypadku biżuterii, inspirowanej symbiozą drzew i porostów czy drewnianych wałków, których teksturę stworzyły korniki. Emanujące z prac młodych twórców kreatywność i empatia dają nadzieję na realną zmianę w podejściu do budowania przyszłości.
Partner Festiwalu: Wydział Projektowania Uniwersytetu SWPS
Twórcy: Wit Bojar, Bartosz Brylewski, Dobromiła Grabiec, Adrianna Gruszka, Zuzanna Hofman, Julia Karnaś, Stefan Lazar, Aleksandra Linkiewicz, Sergey Moskalev, Justyna Parjaszewska, Zofia Zdanowicz
Adrianna Gruszka - absolwentka kierunku Industrial Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Swoje doświadczenie zawodowe zdobyła między innymi w Zieta Studio, a od 2023 roku dołączyła do teamu Maciej Siuda Pracownia. W praktyce projektowej koncentruje się na eksplorowaniu materiałów oraz potencjału ich używania, pracy z niewiedzą i nowymi formami (nie)podejmowania decyzji.
Aleksandra Linkiewicz - tegoroczna absolwentka kierunku Domestic Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Na co dzień zawodowo zajmuje się grafiką komputerową i nowymi mediami. W swoich pracach analogowych skupia się na zwierzętach i zmysłach, kładąc duży nacisk na materiały, z których tworzy. Podczas pracy patrzy na świat z perspektywy persony, dla której projektuje. Jej praca dyplomowa „Schronienie tymczasowe dla zwierząt w sytuacjach kryzysowych” ukazuje problemy dzisiejszego świata, z którymi mierzą się zwierzęta domowe i ich właściciele.
Bartosz Brylewski - projektant wzornictwa, kurator wystaw oraz autor programów edukacyjnych łączących design z wiedzą o materiałach i środowisku. Ukończył kierunek Industrial Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Od 2020 r. rozwija własną praktykę projektową, a także współpracuje z firmami oraz instytucjami kultury, nauki i sztuki, m.in. z BWA Wrocław, Instytutem Dizajnu w Kielcach, Uniwersytetem SWPS oraz Muzeum Ziemi Polskiej Akademii Nauk.
W 2023 r. stworzył własne studio projektowe BART BRYLEW STUDIO, stawiając na autorskie realizacje obiektów z ceramiki i szkła. Pracuje także jako konsultant i projektuje produkty dla zewnętrznych firm.
Dobromiła Grabiec - absolwentka wzornictwa przemysłowego w School of Form (Uniwersytet SWPS). Obecnie pracuje w Anna Bera Studio. Tworzy prace spekulatywne, badawcze, pełne wrażliwości na otaczający nas świat. Interesuje ją projektowanie naturalne, międzygatunkowe, rzemiosło tradycyjne, sentymentalizm. Jej prace były prezentowane na polskich i międzynarodowych wystawach, m.in. na Vienna Design Week i Gdynia Design Days.
Julia Karnaś - absolwentka kierunku Industrial Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Łączy wyzwania związane ze zmianą klimatu z aspektami społecznymi. Podczas semestru wymiany na Islandii zainteresowała się radykalizacją materiałów w projektowaniu i architekturze. Fascynują ją nowoczesne techniki cyfrowe, optymalizacja procesów projektowych, a także praca z materią. Jej prace znalazły się na wystawach „Nowa Generacja” na Gdynia Design Days, „Laboratorium Współczesności” oraz w finale konkursu „make me!” podczas Łódź Design Festival. Po obronie tytułu licencjata rozpoczęła pracę w Porto, gdzie kontynuuje badania nad węglem wcielonym i operacyjnym.
Justyna Parjaszewska - absolwentka wydziału projektowania w School of Form (Uniwersytet SWPS). Rozpoczęłam studia magisterskie IED Istituto Europeo di Design na wydziale jubilerskim. Procesy twórcze są dla niej nie tylko wyzwaniem, lecz przede wszystkim inspirującą podróżą. Wrażliwość na przestrzenie i unikalne właściwości materiałów stanowią kluczowy element jej kreatywności. Zanurza się w świat form, faktur i barw, aby w rezultacie tworzyć projekty, które nie tylko są estetycznym odbiciem jej wrażeń, ale również ukazują głębokie zrozumienie i szacunek dla otaczającego nas świata.
Sergey Moskalev - projektant i wykonawca, eksperymentator. Pracuje w Poznaniu, tworzy rowery pod marką Volna Bicycles. Mając doświadczenie w projektowaniu grafiki oraz projektowaniu przemysłowym, tworzy autorskie produkty, restauruje zabytkowe rowery amerykańskie, a także eksperymentuje w dziedzinach nowoczesnego designu i technologii. Za pomocą dobrze zaprojektowanych rzeczy i procesów, łączy sprawdzone rozwiązania techniczne oraz tradycyjną estetykę z nowoczesnym podejściem do poszukiwania balansu i zrównoważonego rozwoju w życiu. Preferuje działania zgodne z ideologią slow life, ekologiczne i kreatywne.
Stefan Lazar - zdobywał doświadczenie zawodowe na Wydziale Grafiki College of Art w Ukrainie, a następnie na kierunku Domestic / Industrial Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Jego prace prezentowano na Łódź Design Days oraz Gdynia Design Days (The OPO Project). Przez ostatnich 5 lat realizował innowacyjne projekty dla klientów i kierował zespołem technicznym w prototypowni Lab150. Współpracując z Pawłem Buszko, projektuje produkty od koncepcji do wprowadzenia ich na rynek. Dzięki doświadczeniu technicznemu jego projekty wzornicze uwzględniają aspekty technologiczne i wytwórcze. Łączy funkcjonalność z prostymi formami.
Wit Kacper Bojar - absolwent kierunku wzornictwo w School of Form (Uniwersytet SWPS). Specjalizuje się w pracy z porcelaną, gliną i drewnem. Jego twórczość inspirowana jest głęboką relacją człowieka z naturą, co znajduje odzwierciedlenie w unikalnych projektach łączących estetykę z funkcjonalnością. Pasjonuje się również gotowaniem. Widać to w zaprojektowanych przez niego wyjątkowych przedmiotach codziennego użytku, nawiązujących do kulinariów. Nieustannie poszukuje nowych form wyrazu i eksploruje różnorodne materiały oraz techniki, aby tworzyć dzieła harmonizujące z otaczającym światem.
Zofia Zdanowicz - artystka wizualna, absolwentka kierunku wzornictwo w School of Form (Uniwersytet SWPS). Wykorzystuje różnorodne media, specjalizując się w porcelanie, glinie, barwiarstwie, tkaninie i drewnie. Jej prace skupiają się na tematach związanych z relacją człowieka z naturą, emocjami, ludzką pamięcią, pracą dłoni oraz rzemiosłem. Analizując wpływ obiektu i zaprojektowanej przestrzeni na odbiorcę, zgłębia związki między formą a znaczeniem. Łączenie różnych środków wyrazu pozwala jej tworzyć prace, które są osobistą ekspresją artystki, współgrają formą i treścią, a także zachęcają do interakcji i refleksji.
Zuzanna Hofman - ukończyła z wyróżnieniem wzornictwo w School of Form (Uniwersytet SWPS). Podczas studiów pracowała w pracowni ceramicznej MUAS. Brała udział w wielu wystawach m.in. Łódź Design Days, Gdynia Design Week i Vienna Design Week. W projektowaniu najbardziej interesuje ją współpraca z naturą. Tworzy prace zrównoważone, wspierające ochronę klimatu. Chce uczyć ludzi wrażliwości i poszanowania dla otaczającej nas przyrody. Jej pasją są podróże. To podczas nich czerpie najwięcej inspiracji.
Dom wielomateriałowy
Dom wielomateriałowy, autorstwa kolektywu CENTRALA to inicjatywa budowy pawilonu, który nie tylko prezentowałby różnorodne, zrównoważone techniki budownicze, ale również testował nasze poczucie domowego komfortu. Projekt zakłada, że każdy z pokoi zostanie wykonany z innego naturalnego materiału: kamienia, gleby, gliny, ceramiki, drewna, słomy i lnu. W ciągu tygodnia będzie można spędzić jedną noc w każdym z siedmiu pomieszczeń i doświadczyć, w jaki sposób wykorzystane materiały wpływają na mikroklimat. Zróżnicowanie pokoi pod względem właściwości termicznych pozwoli docenić efektywność cieplną, czyli zestrajanie się architektury z dobowym cyklem otoczenia. Dom wielomateriałowy uwidacznia również wpływ materiałów na cyrkulację powietrza, wilgotność, akustykę czy zapach.
Projekt zachęca do postrzegania wszystkich sensorycznych komponentów przestrzeni domowej, z uwzględnieniem zjawisk gnicia i rozkładu. Nawiązuje w tym do staropolskiej tradycji „ogacania” – izolowania domów, stodół, obór i uli na zimę poprzez owijanie ich warstwą sosnowych igieł, mchu i obornika, które w okresie zimowym wydzielały ciepło, ulegając rozkładowi.
Twórcy: CENTRALA (Małgorzata Kuciewicz, Simone De Iacobis)
CENTRALA - Małgorzata Kuciewicz i Simone De Iacobis tworzą projekty pod hasłem "Amplifikacja natury", oparte na badaniach relacji pomiędzy architekturą i procesami przyrodniczymi. Architektura jest dla nich przepływem, nie tylko statyczną formą, a grawitacja, cyrkulacja wody, zjawiska atmosferyczne czy astronomiczne – jej budulcem. W architekturze łączącej intymną, ludzką skalę ze skalą planety widzą narzędzie, które pomaga dostroić się do rytmu otaczającego nas świata, wzmacniać nasze poczucie łączności z naturą, otwierać na doświadczanie jej zanikających cyklów, kierować uwagę na związek mikrozdarzeń z przemianami zachodzącymi w skali Ziemi.
CENTRALA znana jest z umiejętności wyróżniania zjawisk istotnych, wprowadzania do debaty o mieście nowych pojęć i sposobów patrzenia. Wygrała konkurs” FUTUWAWA. Jak będziemy mieszkać w Warszawie przyszłości” (2021). Prezentowała swoje projekty na Biennale Architektury w Wenecji (2018, 2023), London Design Biennale (2021), Triennale Architektury w Lizbonie (2022), Gwangju Biennale (2023). Od 2017 r. stale współpracuje z Charkowską Szkołą Architektury.
Alicja Bielawska - artystka wizualna, tworzy rysunki i rzeźby, instalacje. Jej prace koncentrują się wokół materialnej sfery codzienności i relacji pomiędzy przedmiotami, wnętrzami a wspomnieniami. Dotyka kwestii względności percepcji i roli pamięci. Interesuje ją kształtowanie przestrzeni, kontekst, w jakim umieszcza prace oraz rola odbiorcy. Do swoich realizacji wprowadza również elementy choreografii.
Absolwentka historii sztuki na Uniwersytecie Warszawskim, Gerrit Rietveld Academie w Amsterdamie, Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku. Wystawą Dom odziany reprezentowała Polskę razem z CENTRALĄ i Aleksandrą Kędziorek na London Design Biennale 2021. Wykładowczyni School of Form Uniwersytetu SWPS i Fundacji Atelier w Warszawie.
Dom odziany. Dostrajanie się do sezonowej wyobraźni
Projekt pokazuje, w jaki sposób tkaniny wykorzystywane w domowych wnętrzach uwrażliwiały mieszkańców na cykliczność przyrody.
Przed upowszechnieniem elektryczności, w Polsce stosowano tekstylia jako sezonowe odzienie architektury. Tkaniny pomagały dostosować domowe przestrzenie do pór roku, charakterystycznych dla środkowoeuropejskiej strefy klimatycznej. Ich regularne pojawianie się we wnętrzach pomagało świadomie przeżywać upływ czasu czy cykliczność dnia i nocy. Tak pomyślany „dom odziany” działał jak pudło rezonansowe – wzmacniał doświadczanie rytmu otaczającego świata.
Dziś, gdy spędzamy większość czasu w mieszkaniach z centralnym ogrzewaniem i w klimatyzowanych biurach, rytm pór dnia i nocy czy niuanse związane ze zmieniającymi się porami roku są dla nas mniej czytelne. Przypomnienie dawnych domowych rytuałów może nam pomóc na nowo się do nich dostroić – pielęgnować relację z otoczeniem, a w konsekwencji uważniej reagować na zachodzące w nim zmiany.
Wystawa „Dom odziany”, zorganizowana przez Instytut Adama Mickiewicza, była pokazywana w pawilonie polskim na London Design Biennale 2021, a następnie (w całości lub fragmentach): w Muzeum Narodowym w Krakowie, podczas Triennale Architektury w Lizbonie, BIO – Biennale Designu w Lublanie, Vilnius Gallery Weekend, festiwalu „Warszawa w budowie” oraz Gdynia Design Days. Na festiwalu Przemiany zobaczycie część projektu.
Organizator: Instytut Adama Mickiewicza
Koncepcja wystawy: CENTRALA (Małgorzata Kuciewicz, Simone De Iacobis)
Artystka: Alicja Bielawska
Kuratorka: Aleksandra Kędziorek
Projekt wystawy: CENTRALA (Małgorzata Kuciewicz, Simone De Iacobis)
Film: Michał Matejko
Choreografia: Marysia Stokłosa
CENTRALA - Małgorzata Kuciewicz i Simone De Iacobis tworzą projekty pod hasłem "Amplifikacja natury", oparte na badaniach relacji pomiędzy architekturą i procesami przyrodniczymi. Architektura jest dla nich przepływem, nie tylko statyczną formą, a grawitacja, cyrkulacja wody, zjawiska atmosferyczne czy astronomiczne – jej budulcem. W architekturze łączącej intymną, ludzką skalę ze skalą planety widzą narzędzie, które pomaga dostroić się do rytmu otaczającego nas świata, wzmacniać nasze poczucie łączności z naturą, otwierać na doświadczanie jej zanikających cyklów, kierować uwagę na związek mikrozdarzeń z przemianami zachodzącymi w skali Ziemi.
CENTRALA znana jest z umiejętności wyróżniania zjawisk istotnych, wprowadzania do debaty o mieście nowych pojęć i sposobów patrzenia. Wygrała konkurs” FUTUWAWA. Jak będziemy mieszkać w Warszawie przyszłości” (2021). Prezentowała swoje projekty na Biennale Architektury w Wenecji (2018, 2023), London Design Biennale (2021), Triennale Architektury w Lizbonie (2022), Gwangju Biennale (2023). Od 2017 r. stale współpracuje z Charkowską Szkołą Architektury.
Alicja Bielawska - artystka wizualna, tworzy rysunki i rzeźby, instalacje. Jej prace koncentrują się wokół materialnej sfery codzienności i relacji pomiędzy przedmiotami, wnętrzami a wspomnieniami. Dotyka kwestii względności percepcji i roli pamięci. Interesuje ją kształtowanie przestrzeni, kontekst, w jakim umieszcza prace oraz rola odbiorcy. Do swoich realizacji wprowadza również elementy choreografii.
Absolwentka historii sztuki na Uniwersytecie Warszawskim, Gerrit Rietveld Academie w Amsterdamie, Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku. Wystawą Dom odziany reprezentowała Polskę razem z CENTRALĄ i Aleksandrą Kędziorek na London Design Biennale 2021. Wykładowczyni School of Form Uniwersytetu SWPS i Fundacji Atelier w Warszawie.
Z holenderskiego morza i gleby
Nienke Hoogvliet dorastała na wybrzeżu Morza Północnego. Codzienne obserwacje przyrody pozwoliły jej poznać specyfikę nadmorskiego ekosystemu, jego wrażliwość na zanieczyszczenia przemysłowe i wywołane przez człowieka zmiany klimatu. Jako projektantka szybko zdała sobie sprawę, że jej prawdziwą pasją jest łączenie tradycyjnego rzemiosła i innowacji technologicznych w celu opowiadania historii, inspirujących do działania lub zmiany szkodliwych nawyków. Zmiany w postrzeganiu zarówno systemów produkcji, jak i cyklu życia obiektów użytkowych, którymi się na co dzień otaczamy. Współpracując z naukowcami, technologami oraz lokalnymi wytwórcami, Hoogvliet stworzyła własną metodykę ekologicznego aktywizmu, opartą na języku i narzędziach współczesnego dizajnu – zaczyna od problemu, który porusza jej wyobraźnię, przeprowadza szeroko zakrojone badania, a następnie tworzy przedmioty, instalacje lub książki. W taki sposób powstały: taboret z rybiej skóry, kimono uszyte z materiału pozyskanego ze ścieków oraz kurtka barwiona lokalnie wyprodukowanymi barwnikami z wodorostów. Prezentowane prace zachwycają nie tylko pięknem wykonania, ale też siłą swojego przekazu. Zrodzone z holenderskiego morza i gleby opowiadają o możliwości życia w równowadze, a także o naszej odpowiedzialności za przetrwanie ekosystemów, których są materialnym świadectwem.
Twórcy: Studio Nienke Hoogvliet, Zeefier
Wystawa powstała przy wsparciu Ambasady Królestwa Niderlandów, partnera XIV edycji Festiwalu Przemiany.
Nienke Hoogvliet - określa się mianem „artywistki”, pochodzącym z połączenia słów artystka i aktywistka.Wykorzystuje dizajn do kreowania harmonii między ludźmi, społecznościami i środowiskiem naturalnym. Dorastanie na holenderskim wybrzeżu od najmłodszych lat rozbudziło w niej miłość do oceanu, a wszechobecne na plażach plastikowe odpady zaszczepiły w niej głębokie poczucie odpowiedzialności za wywołane przez człowieka zmiany klimatu. Do swoje pracy podchodzi holistycznie – uwzględnia każdy etap cyklu życia produktu oraz jego wpływ na środowisko i społeczeństwo.
W 2013 r. założyła Studio Nienke Hoogvliet. Współpracuje z naukowcami, ekspertami branżowymi i innymi twórcami, tworząc ręcznie przedmioty, instalacje i książki. Obiekty Studio Nienke Hoogvliet znajdują się w stałych kolekcjach w Victoria&Albert Museum w Londynie czy Centraal Museum w Utrechcie.
Biblioteka materiałowa
Biblioteka Wise Habit of Sustainable Materials to kolekcja zrównoważonych, innowacyjnych, regeneratywnych i ekologicznych materiałów. Są one starannie selekcjonowane i opisywane, ze szczególnym uwzględnieniem pochodzenia, cyklu życia, biodegradowalności i potencjału recyklingowego.
Na wystawie festiwalowej znajdują się materiały ponad 20 wiodących europejskich marek. Zobaczycie zarówno materiały budowlane, jak i te do wykończenia wnętrz oraz produkcji mebli. Surowce, z których są wykonane, w większości pochodzą z recyklingu (materiały z rozbiórek, odpady z przemysłu spożywczego) bądź są pochodzenia biologicznego (np. grzybnia).
Partner Festiwalu: Wise Habit
Kuratorka: Karolina Ferenc
Karolina Ferenc - projektantka i storytellerka. Absolwentka Design Academy Eindhoven i stypendystka Akademie Schloss Solitude. Jej prace były wystawiane m.in. podczas Dutch Design Week i Berlin Design Week. Obecnie związana z organizacją Wise Habit, gdzie kieruje działaniami badawczymi i projektuje, prowadzi pierwszą w Polsce Bibliotekę Materiałów Zrównoważonych i organizuje cykl debat „Projektowanie dla Przyszłości”. W 2024 r. wyróżniona IF Award za Wise Kitchen zaprojektowaną dla Wise Habit. Jej prace opierają się na empatii i horyzontalności, unikając dysopijnych i apokaliptycznych wizji przyszłości.
Stacje doświadczalne
Znaczną część przestrzeni wystawowej przeznaczamy na eksperymentowanie, zadawanie pytań oraz spotkania z naukowcami i projektantami. W tym roku możliwe jest to dzięki współpracy z Wydziałem Inżynierii Materiałowej Politechniki Warszawskiej, który przygotował dla Was prezentacje projektów naukowych, innowacje technologiczne oraz nowoczesny sprzęt badawczy. Zapoznacie się z budową polimerów, właściwościami różnego typu stopów metali i kompozytów, a także zasadami nanotechnologii. Obejrzycie pod mikroskopem mikrostruktury różnych materiałów i dowiecie się o nowościach w technologii druku 3D.
Program uzupełnią dwa stanowiska, przygotowane przez Laboratoria Centrum Nauki Kopernik, poświęcone bioplastikowi oraz kombuchy.
Partner Festiwalu: Wydział Inżynierii Materiałowej Politechniki Warszawskiej
Laboratoria Centrum Nauki Kopernik: Marta Kodura, Elżbieta Turek
Specjalne podziękowania za pomoc w przygotowaniu programu dla: dr. inż. Rafała Wróblewskiego, prof. Joanny Zdunek, Joanny Kwiatkowskiej oraz dr inż. Magdaleny Płocińskiej.
Rzeczywista liczba biletów może być inna. W wersji na telefonie podajemy jedynie informację o Wystawach, bilety do Planetarium sprawdzisz przez komputer lub na bilety.kopernik.org.pl. Bilety udostępniamy na kilka tygodni w przód i wszystkie sprzedajemy przez internet – więc po ich wyprzedaniu nie ma ich również w kasach.
W dniu wizyty dostępność Majsterni, Bzzz!, Teatru Wysokich Napięć, Teatru Robotycznego i laboratoriów może się zmieniać. Aktualną informację znajdziesz na stronie „Dziś w Koperniku”.
Użyj strzałek do przechodzenia między zakładkami
Kalendarium na miesiąc:
Pn
Wt
Śr
Cz
Pt
Sb
Nd
dostępność
Dostępność biletów na w dniu
dostępność:
brak
mała
średnia
duża
godzina[hour]
[name]
liczba dostępnych biletów:[label]
Wszystkie bilety na ten dzień są już sprzedane (online i w kasach).
Bilety na wybrany dzień są niedostępne w sprzedaży.
Jaap Willem Knevel - (on/jego) tworzy mapy, przewodniki i archiwa, przeznaczone do użytku edukacyjnego. Polemizuje z tradycyjnymi narracjami w projektowaniu graficznym w kwestiach dostępności, reprezentacji i różnorodności kulturowej.
Pleun van Dijk - artystka spekulatywna i projektantka zafascynowana nieustannie ewoluującym światem wokół niej. Rozwój nauki i technologii daje nowe możliwości i stawia nas przed złożonymi pytaniami etycznymi, podczas gdy wyobrażenie sobie przyszłego wpływu wynalazków i związanych z nimi decyzji jest prawie niemożliwe.
Slow Painting Studio - założone przez Olę Ignasiak i Karolinę Gębkę łączy sztukę, zrównoważony rozwój i innowacje, wprowadzając odbiorców w nową erę kolorów. 
Matthew Gardiner - jeden z wiodących światowych ekspertów w dziedzinie Oribotics, którą sam stworzył. Pionier w łączeniu origami, składania i robotyki. 
Aleksandra Linkiewicz - tegoroczna absolwentka kierunku Domestic Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Na co dzień zawodowo zajmuje się grafiką komputerową i nowymi mediami. W swoich pracach analogowych skupia się na zwierzętach i zmysłach, kładąc duży nacisk na materiały, z których tworzy. Podczas pracy patrzy na świat z perspektywy persony, dla której projektuje. Jej praca dyplomowa „Schronienie tymczasowe dla zwierząt w sytuacjach kryzysowych” ukazuje problemy dzisiejszego świata, z którymi mierzą się zwierzęta domowe i ich właściciele. 
Bartosz Brylewski - projektant wzornictwa, kurator wystaw oraz autor programów edukacyjnych łączących design z wiedzą o materiałach i środowisku. Ukończył kierunek Industrial Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Od 2020 r. rozwija własną praktykę projektową, a także współpracuje z firmami oraz instytucjami kultury, nauki i sztuki, m.in. z BWA Wrocław, Instytutem Dizajnu w Kielcach, Uniwersytetem SWPS oraz Muzeum Ziemi Polskiej Akademii Nauk. 
Dobromiła Grabiec - absolwentka wzornictwa przemysłowego w School of Form (Uniwersytet SWPS). Obecnie pracuje w Anna Bera Studio. Tworzy prace spekulatywne, badawcze, pełne wrażliwości na otaczający nas świat. Interesuje ją projektowanie naturalne, międzygatunkowe, rzemiosło tradycyjne, sentymentalizm. Jej prace były prezentowane na polskich i międzynarodowych wystawach, m.in. na Vienna Design Week i Gdynia Design Days.
Julia Karnaś - absolwentka kierunku Industrial Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Łączy wyzwania związane ze zmianą klimatu z aspektami społecznymi. Podczas semestru wymiany na Islandii zainteresowała się radykalizacją materiałów w projektowaniu i architekturze. Fascynują ją nowoczesne techniki cyfrowe, optymalizacja procesów projektowych, a także praca z materią. Jej prace znalazły się na wystawach „Nowa Generacja” na Gdynia Design Days, „Laboratorium Współczesności” oraz w finale konkursu „make me!” podczas Łódź Design Festival. Po obronie tytułu licencjata rozpoczęła pracę w Porto, gdzie kontynuuje badania nad węglem wcielonym i operacyjnym.
Justyna Parjaszewska - absolwentka wydziału projektowania w School of Form (Uniwersytet SWPS). Rozpoczęłam studia magisterskie IED Istituto Europeo di Design na wydziale jubilerskim. Procesy twórcze są dla niej nie tylko wyzwaniem, lecz przede wszystkim inspirującą podróżą. Wrażliwość na przestrzenie i unikalne właściwości materiałów stanowią kluczowy element jej kreatywności. Zanurza się w świat form, faktur i barw, aby w rezultacie tworzyć projekty, które nie tylko są estetycznym odbiciem jej wrażeń, ale również ukazują głębokie zrozumienie i szacunek dla otaczającego nas świata. 
Sergey Moskalev - projektant i wykonawca, eksperymentator. Pracuje w Poznaniu, tworzy rowery pod marką Volna Bicycles. Mając doświadczenie w projektowaniu grafiki oraz projektowaniu przemysłowym, tworzy autorskie produkty, restauruje zabytkowe rowery amerykańskie, a także eksperymentuje w dziedzinach nowoczesnego designu i technologii. Za pomocą dobrze zaprojektowanych rzeczy i procesów, łączy sprawdzone rozwiązania techniczne oraz tradycyjną estetykę z nowoczesnym podejściem do poszukiwania balansu i zrównoważonego rozwoju w życiu. Preferuje działania zgodne z ideologią slow life, ekologiczne i kreatywne.
Stefan Lazar - zdobywał doświadczenie zawodowe na Wydziale Grafiki College of Art w Ukrainie, a następnie na kierunku Domestic / Industrial Design w School of Form (Uniwersytet SWPS). Jego prace prezentowano na Łódź Design Days oraz Gdynia Design Days (The OPO Project). Przez ostatnich 5 lat realizował innowacyjne projekty dla klientów i kierował zespołem technicznym w prototypowni Lab150. Współpracując z Pawłem Buszko, projektuje produkty od koncepcji do wprowadzenia ich na rynek. Dzięki doświadczeniu technicznemu jego projekty wzornicze uwzględniają aspekty technologiczne i wytwórcze. Łączy funkcjonalność z prostymi formami. 
Wit Kacper Bojar - absolwent kierunku wzornictwo w School of Form (Uniwersytet SWPS). Specjalizuje się w pracy z porcelaną, gliną i drewnem. Jego twórczość inspirowana jest głęboką relacją człowieka z naturą, co znajduje odzwierciedlenie w unikalnych projektach łączących estetykę z funkcjonalnością. Pasjonuje się również gotowaniem. Widać to w zaprojektowanych przez niego wyjątkowych przedmiotach codziennego użytku, nawiązujących do kulinariów. Nieustannie poszukuje nowych form wyrazu i eksploruje różnorodne materiały oraz techniki, aby tworzyć dzieła harmonizujące z otaczającym światem.
Zofia Zdanowicz - artystka wizualna, absolwentka kierunku wzornictwo w School of Form (Uniwersytet SWPS). Wykorzystuje różnorodne media, specjalizując się w porcelanie, glinie, barwiarstwie, tkaninie i drewnie. Jej prace skupiają się na tematach związanych z relacją człowieka z naturą, emocjami, ludzką pamięcią, pracą dłoni oraz rzemiosłem. Analizując wpływ obiektu i zaprojektowanej przestrzeni na odbiorcę, zgłębia związki między formą a znaczeniem. Łączenie różnych środków wyrazu pozwala jej tworzyć prace, które są osobistą ekspresją artystki, współgrają formą i treścią, a także zachęcają do interakcji i refleksji. 
Zuzanna Hofman - ukończyła z wyróżnieniem wzornictwo w School of Form (Uniwersytet SWPS). Podczas studiów pracowała w pracowni ceramicznej MUAS. Brała udział w wielu wystawach m.in. Łódź Design Days, Gdynia Design Week i Vienna Design Week. W projektowaniu najbardziej interesuje ją współpraca z naturą. Tworzy prace zrównoważone, wspierające ochronę klimatu. Chce uczyć ludzi wrażliwości i poszanowania dla otaczającej nas przyrody. Jej pasją są podróże. To podczas nich czerpie najwięcej inspiracji. 
CENTRALA - Małgorzata Kuciewicz i Simone De Iacobis tworzą projekty pod hasłem "Amplifikacja natury", oparte na badaniach relacji pomiędzy architekturą i procesami przyrodniczymi. Architektura jest dla nich przepływem, nie tylko statyczną formą, a grawitacja, cyrkulacja wody, zjawiska atmosferyczne czy astronomiczne – jej budulcem. W architekturze łączącej intymną, ludzką skalę ze skalą planety widzą narzędzie, które pomaga dostroić się do rytmu otaczającego nas świata, wzmacniać nasze poczucie łączności z naturą, otwierać na doświadczanie jej zanikających cyklów, kierować uwagę na związek mikrozdarzeń z przemianami zachodzącymi w skali Ziemi.
Alicja Bielawska - artystka wizualna, tworzy rysunki i rzeźby, instalacje. Jej prace koncentrują się wokół materialnej sfery codzienności i relacji pomiędzy przedmiotami, wnętrzami a wspomnieniami. Dotyka kwestii względności percepcji i roli pamięci. Interesuje ją kształtowanie przestrzeni, kontekst, w jakim umieszcza prace oraz rola odbiorcy. Do swoich realizacji wprowadza również elementy choreografii.
Nienke Hoogvliet - określa się mianem „artywistki”, pochodzącym z połączenia słów artystka i aktywistka. Wykorzystuje dizajn do kreowania harmonii między ludźmi, społecznościami i środowiskiem naturalnym. Dorastanie na holenderskim wybrzeżu od najmłodszych lat rozbudziło w niej miłość do oceanu, a wszechobecne na plażach plastikowe odpady zaszczepiły w niej głębokie poczucie odpowiedzialności za wywołane przez człowieka zmiany klimatu. Do swoje pracy podchodzi holistycznie – uwzględnia każdy etap cyklu życia produktu oraz jego wpływ na środowisko i społeczeństwo.
Karolina Ferenc - projektantka i storytellerka. Absolwentka Design Academy Eindhoven i stypendystka Akademie Schloss Solitude. Jej prace były wystawiane m.in. podczas Dutch Design Week i Berlin Design Week. Obecnie związana z organizacją Wise Habit, gdzie kieruje działaniami badawczymi i projektuje, prowadzi pierwszą w Polsce Bibliotekę Materiałów Zrównoważonych i organizuje cykl debat „Projektowanie dla Przyszłości”. W 2024 r. wyróżniona IF Award za Wise Kitchen zaprojektowaną dla Wise Habit. Jej prace opierają się na empatii i horyzontalności, unikając dysopijnych i apokaliptycznych wizji przyszłości.